Den japanska designens bredd och variation genom århundradena är svår att fånga i några få mästerverk. Genom att zooma in på en tid och en plats kan man naturligtvis börja försöka förstå metaforerna, symbolerna och förfiningen av den japanska konsten under varje epok.
Från den berömda (och ironiskt nog ständigt föränderliga) Hokusai till dagens moderna illustrationer i anime och manga – här är en liten uppfräschning av utbudet och detaljerna i japanska teckningar och illustrationer, som alla har sin egen unika historia att berätta.
1. Från Shohei Otomos utställning Ora Ora, 2017
Shohei Otomo, son till Akiras Katushiro Otomo, tecknar nästan uteslutande med en biro, och föredrar inte bara dess estetik utan också dess blygsamma pris på 80 yen. Den här teckningen av en knivbeväpnad skolflicka är från hans utställning Ora Ora från 2017.
Ora Ora Ora är ett skrik av ångest, ett ljud som kan höras i en kampscen i en anime eller manga. Denna passande titel illustrerar Shoheis rebelliska cyberpunk-stil, som kombinerar moderna västerländska klichéer och uppfattningar om Japan med inslag av traditionell japansk konst.
Han beskriver staden Tokyo som ”kvävande” och ”stressig”, och hans konst återspeglar denna känsla i sitt kaos, sin energi och sin symbolik. ”…Under ytan finns det mycket olycka”, sade han i en intervju med ABC i Australien om sitt hemland Tokyo.
I samma intervju tar Shohei lätt på att han tror att japanska vuxna ”försummar barnen”. Ora Oras teckningar är ett slags hämnd fantasier där barnen återfår sin självständighet och makt. Varje illustration tar ungefär en månad att färdigställa.
2. Sexton arhats av Gessen, datum okänt
Konstnären och munken Gessen (1741-1809) var känd för sin vilja att måla på olika ytor, till och med på en geishas kjol. Det sägs att han ofta insisterade på att få betalt i förväg. Hans popularitet växte, och även om hans verk varierade i kvalitet verkar det som om hans iver att få det högsta priset var för att han skulle kunna ge mat till behövande.
Gessen studerade med Sakura Sekkan och andra målare som tycktes dela hans intresse för nya målar stilar, inklusive västerländskt inflytande. Den här teckningen, Sixteen Arhats, föreställer de sexton legendariska männen i den buddhistiska traditionen som anförtroddes Buddhas läror innan han gav sig av till Nirvana.
Intressant nog har legenden utvidgats till arton arhats i Kina, men de sexton arhats är fortfarande symboler för dyrkan och exemplariskt beteende i Japan. Den här teckningen har Gessen gjort med tusch på papper.
3. Spoon av Hidemi Ito, 2017
Mjuka pastellfärger och skuggor understryker oskulden och enkelheten i Hidemi Itos moderna budskap. I den här illustrationen är den böjda skeden ett resultat av ESP, en slags hjärnkontroll på matrisnivå som lämpar sig för flickornas sinnen som Ito skildrar.
Trots den lekfulla och nyfikna atmosfären i Itos teckning finns det också en slags intensitet som sväljer flickorna i koncentration, vilket gör att betraktaren undrar hur skeden manipulerades till sin fördel.
Enligt Ito inspireras hennes arbete av filmer och hennes fantasi. Hon berättade att idéerna bakom flickorna och deras ESP kommer från en ”romantisk känsla” av att tolka världen och dess mysterier. Kropparnas rundade form och tonvikten på unga kvinnor väcker minnen av nihonga eller bijinga, men Hidemi säger att inflytandet från dessa måste vara omedvetet.
I verket Unsafe Day från 2017 års utställning verkar det som om det är ett uppror mot dagens tvång att släta över svårigheter och säga att allt är bra. I Hidemis teckning används kvinnliga budbärare för att förmedla modern spänning på ett ”subtilt” sätt.
”När jag tecknar vill jag förmedla ett ögonblick som inte kan beskrivas med språket. En känsla som jag känner”. Hon säger. Hidemi Ito är en av många stora japanska kvinnliga konstnärer som du måste känna till!
4. Blomkorg I av Uemura Shoen, 1915
Uemura Shoen var pseudonym för den otroligt framgångsrika Kyoto-baserade konstnären Uemura Tsune. Flower Basket I verkar vara en skiss med tusch på papper av den berömda sidenmålning färgen Flower Basket.
Uemura tecknade i allmänhet i bijin-ga-stil, även om hon valde att teckna vanliga kvinnor i stället för hovkonstnärer och underhållare. ”Flower Basket” inspirerades av en Noh-pjäs, ett tema som också ofta återfinns i hennes verk. Uemura var den första kvinnan som fick den prestigefyllda utmärkelsen Order of Culture i en tid då kvinnor inte fick gå på en yrkesskola.
Trots omständigheterna uppmuntrade Uimuras mor, en änka som drev ett tehus, Uemura att fortsätta måla och skickade henne till en målarskola där hon studerade för Suzuki Shonen.
5. Teckning från Spirited Away av Hayao Miyazaki (Studio Ghibli)
I den inbundna konstboken The Art of Miyazaki’s Spirited Away finns flera skisser från den ursprungliga storyboarden, bland annat den här illustrationen av en genomskinlig Chihiro som går över bron till badhuset. I en intervju med Miyazaki i den japanska tidskriften Animage 2001 uttryckte den japanske animatören sin önskan att göra en film för fem unga flickor som var barn till hans vänner i familjen.
”Så jag funderade på om jag kunde göra en film där de kunde vara hjältinnor…” säger Miyazaki, som var säker på att innehållet i shojo manga inte motsvarade vad dessa tioåriga flickor verkligen ville se och/eller läsa.
Alla Miyazakis verk är tecknade för hand. Han delar den grundläggande uppfattningen att animationens anda är baserad på hand ritning, en uppfattning som han har upprepat genom åren och som har väckt stor uppmärksamhet på det mödosamma arbete som krävs för att skapa animationer av hans nivå.
Miyazaki påminner om att anledningen till att han valde badhuset som en plats för att fördjupa publiken i fantasin är att badhuset är ”mystiskt”. Han funderar på hur ”roligt” det skulle vara om en sådan inrättning för gudar och andar fanns i vår värld.
I den här illustrationen kan betraktaren se början på Chihiro, genomskinlig till formen men ännu inte känd från insidan, hans djupa inre som håller på att utvecklas i det lekfulla och ibland mörka badhuset som han är på väg in i.
6. Munken Rensho rider sin häst upp och ner av Matsumura Goshun, ca. 1784
Kumagai Naozane, en soldat som minns dem han dödade i Genpei-kriget (1180-1185), övergav sitt liv i den materiella världen och sökte fred genom att följa en buddhistisk sekt. Kumagai hade betraktats som en hjälte i det nationella inbördeskriget, och som något av en legend i de noh spel och haikus som berättade hans historia i en japansk mask.
Full av ånger avsade han sig sitt namn och blev Rensho (eller Rensei) för att följa buddhismens läror. Rensho, som här illustreras av konstnären Matsumura Goshun, reser från Kyoto till Kanto-regionen på hästryggen, och hans uppochnedvända position symboliserar det löfte han inte kommer att bryta, nämligen att aldrig vända Buddha ryggen.
Den här berömda japanska illustrationen av Goshun är ritad i haigastil, som vanligtvis visar illustrationer som är kopplade till haiku-dikter. Dess enkla stil inspirerades av Goshuns undervisning från sina lärare som praktiserade nanga, en traditionell kinesisk målarstil vars utövare ofta betraktade sig själva som den litterära och intellektuella eliten.
7. I Hate Summer av Sakiyama, 2018
”I Hate Summer”, en illustration av den unge japanske illustratören Sakiyama, påminner om några av de mörka teman som återfinns i de många ukiyo-e-teckningar som speglar populärkulturen under den sena Edo-perioden.
Ukiyo-e hade pedagogiska och erotiska syften, och bland dessa teman fanns spöklika figurer som inte skiljer sig så mycket från Sakiyamas figurer i I Hate Summer, som skildrar en demonliknande varelse som öppnar sin mun för att svälja oss hela natten.
Konstnären säger att han tycker om att skapa atmosfärer som är både ”obehagliga” och ”dekadenta”. Sakiyama använder huvudsakligen digitala programvaror som Photoshop och After Effects och placerar sina karaktärer i städer som slukar sig själva eller är dekadenta, där det kryllar av monster eller moraliskt depraverade människor.
Titlar som ”I Hate Summer” och andra som ”I wish it was always midnight” antyder en känslomässig värld där betraktaren kan utforska de fantasifulla skuggorna av världar i världar som håller på att falla sönder.
8. Ikonisk teckning av Saturnus, 1100-talet
Doyo, eller Saturnus, beskrivs här som en man i mantel med ett tjurhuvud på huvudet. Denna klassiska japanska illustration är nu monterad som en hängande rulle.
Planeten Saturnus, tillsammans med nio av dess samtida stjärnor eller ”Nine Lights”, var en del av det stjärnsystem som introducerades i Japan och Kina på 1100-talet. Dessa ljuskällor fanns först i indiska texter som senare inkluderades i den buddhistiska läran.
9. Kvinna med rufsigt hår av Chihiro Iwasaki, 1946
Innan hon blev känd för sina akvareller och vann priser för sina barnboksillustrationer satt den ännu okända konstnären Chihiro Iwasaki uppe sent på nätterna med penna och papper. Den här teckningen, Kvinna med rufsigt hår, gjordes när Iwasaki återvände till Tokyo efter andra världskrigets slut.
Hennes familjehem hade förstörts under kriget och hon fick evakueras till sin mormors hus i Nagano. Den här teckningen gjordes under ledning av konstnärerna Iri Maruki och Toshiko Akamatsu, man och hustru, som drev en verkstad som var en del av det japanska kommunistpartiet.
”Woman With Tousled Hair” (på engelska) är ett av de många verk som hon skapade när hon försökte bli en framgångsrik målare och illustratör. På dagarna arbetade Iwasaki som författare och illustratör för tidningen Jinmin Shimbun (Folkets tidning) och på nätterna gjorde hon skisser för att komma närmare sin dröm.
10. Snö av Uemura Shoen, 1940
Uemuras särskilda uppmärksamhet på tygdetaljer illustreras här i en av hennes många snörelaterade målningar. Uemura är erkänd som en av de mest framstående nihonga-artisterna i sin tid och var känd för sitt detaljerade arbete som överträffade sina manliga kollegors.
Som kvinna sägs hon ha gett de kvinnliga personerna i sina målningar mer inflytande, genom att använda små färgdetaljer för att förstärka deras livfullhet och få teckningarna att se mindre ut som polerade, orörliga dockor och mer som riktiga kvinnor som gör riktiga saker i sitt dagliga liv.
I Snö kan man se lite röd färg i hennes ansikte, läppar och örsnibbar, vilket ger lite rörelse åt den stilla bilden och antyder att målningens motiv glöder en aning när hon går raskt i kylan. Uemura Shoen är en av våra tio favoritmålare inom japansk konst.
11. Dragon Girl #32 av Katsuya Terada (Rakugakingu)
Dragon Girl #32 är en av många linjeteckningar av denna unika karaktär som har fått liv av den berömda Katsuya Terada, även känd som Rakugakingu (kritkekungen), ett passande namn för den mängd illustrationer han skapar. Just den här Dragon Girl är en linjeteckning på en träskiva märkt ”mixed media on canvas”.
Katsuya Terada är en mångfacetterad illustratör som ägnar sig åt både illustrationskonst och digital konst och manga. Han använder ofta en svart markeringspenna när han skapar sitt nästa verk, men han kan också byggas en liten iPad och skissa i långa timmar under dagen.
Hans stora verk, som Dragon Girl och Monkey King, kommer till honom när han tecknar. Till skillnad från många japanska konstnärer före honom låter han sig aldrig styras av en skiss, utan endast av sin fantasi och inspirationen eller intrycken i huvudet.
I en kort dokumentärfilm med titeln Katsuya Terada – Life Drawing säger Terada: ”När jag börjar teckna och står framför ett tomt papper tänker jag alltid att jag inte kommer att kunna avsluta det”. Det är en sådan nivå av detaljrikedom och hjärta som överförs till papper.
12. Preliminär ritning av tre hjortar monterade på en hängande rulle Klövermålning av blommande buskar av Ogata Korin, 1700-tal
Den här teckningen och målningen är unika på ett mycket samarbetsinriktat sätt. Teckningen av de tre hjortarna i mitten illustrerades av den berömda Ogata Korin på 1700-talet. Målningen av en växt i bakgrunden färdigställdes ett sekel senare av Suzuki Kitsu.
Båda konstnärerna använde sig av Rinpa-stilen för illustrationer och båda verken är fortfarande något ofärdiga, men vackra i sin enkel het och association. Kitsu och den mecenat som beställde denna konst var ”en hyllning till Korin” och försökte återuppliva konsten och studiet av Rinpa på samma sätt som Korin hade gjort ett århundrade tidigare.
13. Tranor, tallar och bambu av Ogata Korin, tidigt 1700-tal
Ogata Korin var en konstnär från Kyoto som blev berömd för sitt mästerskap i dekorativt måleri. Korin fick en överdådig utbildning, men blev arvlös för att ha brutit mot en tidens lag som förbjöd att dela med sig av silver och guld till folket. Efter att ha förlorat sitt arv återvände Korin till sitt liv som målare.
Den här illustrationen med titeln Cranes, Pines, and Bamboo är förmodligen en av hans tidigaste skisser, som under årens lopp har satts ihop till en vikbar duk. Tranor, tallar och bambu anses vara symboler för livslängd, naturelement som kommer och går med de två årstider som subtilt representeras här: vår och höst.
Korin anses ha förnyat den traditionella japanska målarstilen Rinpa, en konstform som fokuserar på naturmotiv som blommor, växter och fåglar.
Rinpa utövades i en mängd olika former, allt från screentryck, träsnitt, keramik och till och med kimono textilier. Korin var mest känd för att ha förfinat sin Rinpa-teknik med färggradering och användning av guld.
14. Daishojin Bosatsu tillskrivs Takuma Tameto, 1100-talet
Den här välbevarade tidiga japanska teckningen är från 1100-talet och föreställer en buddhistisk gudom vid namn Daishojin Bosatsu. Denna lugna bodhisattva är en av sexton skyddsgudar.
Illustrationen är en av hundratals illustrationer som ursprungligen ingick i ett album med ikonografiska illustrationer av den metafysiska världen i diamantvärldsmandalan, en särskild värld som var särskilt viktig för de japanska buddhisternas utövande av esoteriska buddhistiska läror. Den här målningen är anmärkningsvärd på grund av teckningens kvalitet och regnbågsfärgerna.
15. Skiss av Katsushika Hokusai, 1836
Den här illustrationen av den berömde Katsushika Hokusai, som ursprungligen var avsedd för en bilderbok, föreställer en krigare vid namn Wada Heita Tamenaga som hugger en orm. Trots att en serie krigare tillkännagav att denna teckning skulle publiceras, publicerades den av okänd anledning aldrig.
Illustrationerna skulle ha limmats fast på träplankor i ukiyo-e-traditionen, men idag bevaras de som de är: tunna pappersark. Hokusai, som är känd över hela världen för sitt ikoniska tryck, Under vågen utanför Kanagawa, producerade tusentals verk under hela sitt liv. Före sin död hade han bytt namn 30 gånger.
Vid tiden för denna teckning, 1836, kallades han Gakyou Roujin, vilket ungefär kan översättas till ”Den gamle mannen som är galen i konst”. Det var under den senare delen av sitt liv som han reflekterade över sin konst och det inflytande som ålder och erfarenhet hade på hans arbete.
Han var en ivrig illustratör och målade långt in på ålderns höst, alltid ivrig att förbättra sin senaste målning, tryck eller skiss.