“Det här är den bästa anime filmen genom tiderna!”
Vi är säkra på att du har ropat dessa ord i diskussioner med dina vänner som är riktiga Otaku. Och kanske var ni oense om den bästa anime filmen genom tiderna? Alla har en åsikt, det är det som gör sådana debatter så roliga.
Tyvärr är det roliga över eftersom Kanka Japan äntligen har sammanställt den definitiva listan över de bästa anime filmerna som någonsin gjorts.
Vad gör den här listan unik? Ingen Studio Ghibli. Om du tittar på någon annan “bästa anime”-lista på nätet kommer mer än hälften av den här listan att fyllas med filmer av Miyazaki och hans team. Vi älskar den gamla Mi-chan, men han är inte inbjuden till vår lista och inte heller hans filmer som Spirited Away, Prinsessan Mononoke, Eldflugornas grav och Det levande slottet.
Här har vi äntligen chansen att låta resten av anime-riket få en chans att glänsa i mangakas konkurrenskraftiga universum (men oroa dig inte, vi arbetar på en separat lista över Studio Ghibli-animationer och du kan redan se vår artikel om Miyazaki där vi listar alla hans filmer.).
20. Perfect Blue
Den mest skrämmande animerade filmen på den här listan, Perfect Blue, gör publiken paranoid mot reality-tv. När popidolen Mima drar sig tillbaka från musiken för att satsa på en skådespelarkarriär blir hon uppslukad av skriken och kritiken från sina älskade fans.
Saker och ting blir värre när hon fattar ett tvivelaktigt beslut och accepterar en roll i en film med en våldtäktsscen, ett karriärsteg som förstör hennes rykte som god flicka.
Mimas psyke når en brytpunkt när människor i hennes omgivning börjar mördas. Är Mima nästa måltavla eller förövaren? Rädd och förvirrad, hennes många inre konflikter och stress får hennes verklighetsuppfattning att smälta och tar publiken med på en intensiv psykologisk resa.
Perfect Blue är en tung och störande djupdykning i den japanska kändis- och konsumtionskulturen. Regissören Satoshi Kon visar upp sitt geni i denna första japanska animefilm. Om du är redo att uppleva en karaktärs nedstigning i galenskap, se Perfect Blue. Men var försiktig, det är inget för sentimentala eller svaga personer. Du bör inte heller falla in i galenskap med stort G…
19. Redline
Anime” definieras ofta genom sin brist på rörelse. Redline slår ett slag mot begreppet “begränsad animation”. Det är förmodligen den snabbaste och mest utmanande japanska animation som vi har sett.
Vi kastas in i livet för en våghalsig speedster vid namn JP. Han deltar i Redline, en rymdkapplöpning med hög risk där alla slag och vapen är tillåtna … Den här tävlingen har redan nästan kostat honom livet. Han måste komma i form igen för att kunna utmana de bästa i universum med snabbhet och mod.
På vägen möter JP Cherry-Boy Hunter, en ung tävlande som väcker gamla minnen till liv. Kan JP komma tillbaka i form i tid till Redline? Är Cherry-Boy Hunter en vän eller fiende? Kan JP överleva den intergalaktiska konspiration som omger tävlingen?
Det tog sju år och 100 000 handritningar att färdigställa denna teckning, och det hårda arbetet lönade sig minst sagt. Redline är en unik fiktionsfilm med sin pop-art-presentation. Det som saknas i djup är uppvägt av kontinuerlig hastighet och action i 700 km/h som drivs av ständiga adrenalinsprutor.
18. Summer Wars
Summer Wars är uppföljaren till Mamoru Hosodas The Girl Who Leapt Through Time. Redan i den första trailern ser man att han lägger in en touch av science fiction och fantasy i en realistisk situation. Den här gången är det barn mot en AI.
De kämpar i en digital värld med verkliga konsekvenser. Sommarlovet tar en galen vändning för den begåvade Kenji när en förmodat avkopplande resa på landsbygden förvandlas till en kamp mot Love Machine, ett AI-program som vill förstöra världen.
Summer Wars fortsätter i både verklig och virtuell verklighet. Kenji och hans trupp kämpar mot Love Machine på Internet för att hindra den från att kontrollera det globala digitala nätverket. Det gäller trafikljus, satelliter och militära vapen.
Regissören Mamoru Hosoda blandar sin hyperrealistiska stil med konstgjord Internet känsla i sin mest visuellt mångsidiga fantasyfilm hittills. Resultatet är en spännande och utmanande kamp för mänsklighetens säkerhet.
17. Haruhi Suzumiyas försvinnande
Haruhi är huvud personen i serien Suzumiya Haruhi no yūutsu, som är en lätt roman, anime, manga och spel. Även om fansen är helt besatta av henne är det lätt att förstå varför andra önskar att den försvinner…
Dessa fans får sin önskan uppfylld i långfilmen The Disappearance of Haruhi Suzumiya. Som titeln antyder har seriens huvudperson försvunnit och Kyon är den enda som känner till hennes tidigare liv tillsammans med Haruhi.
Det är upp till honom att lösa mysteriet … men vill han verkligen det? Vad skulle du göra om den mest irriterande personen i ditt liv försvann? Mysteriet får Kyon att utforska sina känslor för Haruhi.
The Disappearance of Haruhi Suzumiya är en engagerande och innerlig handling som överraskar. Det övernaturliga driver serien längre än andra ytliga berättelser genom att den fördjupar sig i essensen av karaktärerna och det japanska universumet.
Men det är Kyoto Animation Studios varma färger och verkliga platser som ger The Disappearance of Haruhi Suzumiya dess unika karaktär. De lägger till vackra visuella element som kompletterar filmens uppfriskande handling.
16. Evangelion-2.22
Fansen jublade när Gainax meddelade att de skulle ta fram den legendariska Neon Genesis Evangelion-serien på vita duken. Äntligen! Mer och mer Evangelion! Och kanske bara ett tillfredsställande slut?
Evangelion 1.11 (den första av de nya animerade filmerna) hade välbekant musik, smidig animation och en korrekt berättelse från början av serien. Och om 1.11 erbjöd en plan för en ny version av serien på storbildsskärm, tog 2.22 processen ett steg längre.
Neon Genesis Evangelion 2.22 har sina fötter i två verkligheter och erbjuder nya och intressanta förändringar i handlingen. Den här gången når historien ett nytt och tillfredsställande crescendo i en slutstrid som lätt kan ses om och om igen.
Några år efter 2.22 kom 3.33, som vände upp och ner på våra hjärnor genom att ge sig ut på ett helt nytt område. Av de tre Neon Genesis-reboot filmerna är Evangelion 2.22 den mest fängslande och tillfredsställande. De animerade filmerna i serien ligger ofta för nära den ursprungliga mangan eller avviker för mycket från den.
Men Neon Genesis Evangelion 2.22 har rätt balans och erbjuder en blandning av gammalt och nytt som borde tillfredsställa alla fans.
15. Odjuret och hans lärling
Föräldralösa Ren är inte riktigt där han hör hemma. Han flyr till Shibuyas gator, men hamnar i Shibutens monstruösa värld. Där möter han Shibutens tronpretendent Kumatetsu, som ser ut som en björn. Ren och detta oförskämda, asociala monster är det perfekta paret och upptäcker snart att de har mycket att lära av varandra.
Odjuret och hans lärling är ett sökande efter identitet: hjältarna tvingas övervinna sina omständigheter för att hitta sig själva och anpassa sig till samhället. Klyftan mellan verkligheten och Japans andevärld är den perfekta bakgrunden för detta sökande. Mamoru Hosoda tar sig långt bort från verkligheten i sin mest fantastiska japanska berättelse hittills.
Det innehåller många fantastiska varelser och fenomen från japansk folklore: yokai, oni, kami, episka uppdrag och till och med en strids turnering. Blandningen av flashiga karaktärer, action och meningsfulla teman i The Boy and the Beast kommer att tillfredsställa anime-fans av alla slag.
14. Fem centimeter per sekund
Fem centimeter per sekund är hisnande. Det är ett fantastiskt exempel på den visuella nyansering som kännetecknar Makoto Shinkais scenografi och hans förmåga att avslöja extrem skönhet i det vardagliga. Om du inte känner till denna regissör är detta en utmärkt introduktionsfilm till hans arbete och stil.
De som bor i Japan kommer att känna sig nostalgiska över saker som de ser varje dag: vanliga bärbara datorer, tvättmaskinsreglage, förfallna tågstationer och till och med de fruktade paraffinvärmarna! Varje detalj är vackert utförd, från färgerna till texturerna och vinklarna.
Handlingen och dramat i Fem centimeter är ännu mer imponerande än det visuella; den enkla berättelsen om förlorad kärlek mellan två grundskolevänner kan få dig att känna dig ensam och nostalgisk.
Med en speltid på ungefär en timme drar Fem centimeter in dig i sin berättelse bättre än de flesta japanska serier med 26 avsnitt. Även med Shinkais andra framgångar är Fem centimeter per sekund fortfarande hans mest skickligt utformade och snabbaste film.
13. Barefoot Gen
Barefoot Gen tar en rå och oförblommerad titt på andra världskriget i Japan. Baserad på en kontroversiell manga i Japan. Barefoot Gen avslöjar krigets fasor och påminner om atombomben och kärnvapen förstörelse.
Den utspelar sig i Hiroshima 1945 och handlar om Gen, en ung skolpojke som tvingas hjälpa sin familj att överleva. Gen och hans bror ljuger, fuskar och stjäl för att ge sin gravida mamma den mat hon behöver för att överleva. Gen och Hiroshimas invånare har ingen aning om den tragedi som väntar dem, även om deras situation verkar vara mycket allvarlig.
Gen, även om hon är barfota, är värdefull av två skäl: hennes inblick i den japanska befolkningens liv under kriget och hennes perspektiv på bomb ningen av Hiroshima. Filmen skildrar en historia som är både skrämmande, grafisk och avslöjande för den tidens atmosfär.
Barefoot Gen är brutal och ärlig och skildrar de svåra förhållanden som invånarna mötte inför en japansk krigsmaskin som var besatt av sin egen storhet. Medan Ghiblis Tomb of the Fireflies är lika hjärtevärmande som hjärtskärande är Barefoot Gen brutal och chockerande, en fruktansvärd glimt av historien som inte får glömmas bort.
12. Macross: Do You Remember Love ?
Do You Remember Love ? är en nyinspelning av gundam-animations serien från 1982: Super Dimension Fortress Macross. 36 avsnitt i två timmar. Mänskligheten kämpar på liv och död mot Zentradi, en utomjordisk ras som är fast besluten att utrota mänskligheten.
När den expanderande rymdfästningen Macross kämpar mot utomjordiska horder, finner piloten Hikaru Ichijyo sig själv fast med popstjärnan Lynn Minmay. Precis när gnistorna börjar slå gnistorna, räddas de och deras “förhållande” komplicerar livet för alla runt omkring dem. Medan kriget pågår dyker ett mystiskt “vapen” upp som kan rädda mänskligheten.
DYRL lägger grunden för det som har definierat Macross-serien: en banbrytande, tvärmedial, otaku-centrerad blandning av rymd, robotar och popmusik. DYRL:s strider (som kallades “Itano Circus”) innehöll dynamiskt animerade rymdflygningar och miljarder små missiler. Do You Remember Love? har en bra historia och bra karaktärer. För oss är det en av de bästa animerade filmerna som någonsin gjorts.
11. Ninja Scroll
Ninja Scroll är den badass tuffaste och mest estetiskt snygga filmen på den här listan. Animationen är helt fantastisk. Ingen detalj har förbisetts i den här filmen som blandar en tumultartad atmosfär från Edo-eran med samurajkrigare, mystiska shinobi och farliga geisha!
Historien utspelar sig i det gamla Japan och vi följer Jubei, en ensam ninja med ett hemskt förflutet. Utan att avslöja för mycket handlar handlingen om en återuppstånden rival, en komplott för att störta shogunen, hemligt guld! Och för att inte nämna, massor av våld.
Vi rekommenderar den här filmen, men titta inte på den tillsammans med din mormor (om inte din mormor gillar ultravåld i ninja version).
Ninja Scroll lånar de bästa aspekterna från filmer som Lady Snowblood och Lone Wolf and Cub. Men tack vare animationens kreativa potential är dessa kultfilmer föråldrade. Action och specialeffekter i Ninja Scroll skulle ha varit omöjliga att uppnå i början av 90-talet. Dess arsenal av halvt mänskliga, halvt demoniska monster och demoner:
- Bimannen
- Stenmannen
- Ormkvinnan
- Och…… Vi berättar inte mer för att inte förstöra för mycket.
Men vet att de alla har fantastiska krafter som är värda de största serietidningshjältarna. Ninja Scrolls Japanimation-stil från 90-talet skiljer sig också från modern animering, vilket gör den till en av de bästa japanska anime filmerna genom tiderna.
10. Millenium Actress
En ung flicka vid namn Chiyoko Fujiwara träffar av en slump en man som är på flykt från polisen. Eftersom hon inte kan hitta honom blir hon skådespelerska i hopp om att hennes mystiska man en dag ska känna igen henne på vita duken. På en bråkdel av en sekund är hjältinnan Chiyoko inte längre en ung flicka utan en gammal kvinna som är utmattad av tiden.
När hon reflekterar över sitt liv tar hon med sig en intervjuare och kameramän på en vild resa genom sina år som filmskapare.
Millennium Actress presenteras på ett sätt som endast regissören Satoshi Kon kan göra och är en jakt i hög hastighet. Vi hoppar över tidslinjer för att följa Chiyokos filmkarriär medan hon söker efter den mystiska mannen hon blev kär i. Hennes livslektioner ger värdefull substans till detta visuella konstverk och gör Millennium Actress till ännu ett mästerverk från en berömd anime-regissör.
9. En brev till Momo
När Moos far dör flyttar hon och hennes mor till en avlägsen japansk ö. Men alla förhoppningar om ett lugnt liv grusas snart av en trio japanska yokai som Momo släpper ut av misstag. Hon försöker hålla sina nya följeslagare hemliga, men det visar sig vara svårt när de börjar härja på öns landsbygd.
Trots att hon är vilse tvingas hennes far Momo att spela rollen som mor och förmyndare för trion av omogna bråkmakare.
Några av de mest gripande anime filmerna har en unik själ och traditionella japanska motiv. En brev till Momo inget undantag. Från de naturliga miljöerna till de förfallna gamla byggnaderna, filmen är en återspegling av Japans moderna andliga sida och balanserar naturlighet och autenticitet.
Redan dessa faktorer gör En brev till Momo till en fantastisk film, särskilt eftersom teman som ånger och förlorad oskuld gör den verkligt speciell.
8. Tekkonkinkreet
Det är Batman möter Oliver Twist. Baserad på en japansk kultförklarad serietidning med en förvrängd konststil och symbol tunga teman. Filmen följer de föräldralösa bröderna Black och White när de vandrar runt på gatorna i sin älskade Treasure Town.
White, den yngre av de två, kompenserar sitt tomma huvud med oskuld och hjärta. Black däremot är klokare än sin ålder och tar på sig ansvaret för att skydda både sin bror och staden.
Filmaffischer och videokonst kan inte göra Tekkonkinkreet rättvisa. Filmen tar upp mangans mörka teman och ställer dem mot dess färgglada och barnsliga bilder. Studio 4-C ger Treasure Town en sådan personlighet att hon blir den tredje huvudpersonen. När du börjar bli förälskad i Treasure Town blir du djupt engagerad i Black’s strävan att skydda den.
Tekkonkinkreet uppnår därmed en sällsynt nivå av personlig investering och spänning. Filmen representerar också ett intressant interkulturellt samarbete: Den amerikanskfödde Michael Arias regisserar ett manus av Anthony Weintraub med en japansk studio och ett japanskt produktionsteam.
Temat och produktionsteamet kombineras perfekt här för att göra Tekkonkinkreet till något verkligt unikt.
7. The Girl Who Leapt Through Time
The Girl Who Leapt Through Time är filmati seringen av den berömda japanska romanen som har anpassats till actionfilmer, manga och tv-serier. Makoto, en ung japansk flicka, har förmågan att gå tillbaka i tiden. Till en början ser hon sin nya kraft som en gåva.
Hon kan förbättra sin karaoke stil flera gånger utan att betala mer, hon studerar längre, rättar till sina misstag på lektionerna och njuter av livet. Men saker och ting går så småningom snett och Makoto ställs inför det gamla talesättet att med stor makt följer stort ansvar. Men varifrån kommer hennes kraft?
The Girl Who Leapt Through Time är en perfekt blandning av litteratur och animation. Mamoru Hosodas charmiga nipponska konststil och fängslande berättande skapar den mest innerliga inkarnationen vi sett. Ingen film på denna lista representerar bättre det japanska begreppet seishun 青春せいしゅん.
En term som direkt kan översättas till “livets vår“. En rörande film som är full av energi, positivitet och möjligheter, The Girl Who Leapt Through Time kommer att påminna dig om dina yngre år och få dig att vilja hoppa tillbaka in i den för en stund.
6. Akira
Akira visade oss hur långt den japanska animationens psyke kan gå. De vidsträckta miljöerna, de coola motorcyklarna i tuningläge, mc-gängen, hipster bosozoku-subkulturen, det chockerande våldet, det fascinerande multikulturella soundtracket, de djupa tematiska elementen.
Alla dessa faktorer motiverar att man kan titta på denna anime om och om igen. Vi kan inte ens räkna hur många gånger vi har sett sammandrabbningen mellan clown gänget och Kanedas gäng…
Medan striden rasar på gatorna i Neo-Tokyo blir gruppen inblandad i den japanska armén. De blir omedvetet delaktiga i regeringens mörkaste hemlighet. Ett mänskligt experiment som kallas Akira. Kaneda, filmens ikoniska alfahane, ställs mot armén, sin gamla vän Tetsuo och en katastrof som hotar att uppsluka hela staden.
Akira, som bygger på Katsuhiro Otomos prisbelönta manga, är det ikoniska verket av den författare som blivit regissör. Ett tidlöst filmprojekt om japansk kultur. Den visade en hel generation att tecknade filmer inte är en barnlek. Trots sin ålder är Akira fortfarande en av de vackraste, mest klangfulla, provocerande och ikoniska animerade filmerna som någonsin gjorts.
Denna cyberpunk-klassiker har blivit en av föregångarna till den västerländska anime-boomen. Och precis som hundar inte gör katter har Otomos son blivit en välkänd japansk konstnär, känd för sin konst.
5. Your Name
Makoto Shinkai blev känd bland animefans med filmer som Fem centimeter per sekund och The Garden of Words. Alla som såg hans tidiga filmer visste att det bara var en tidsfråga innan den nyanserade skönheten i hans konst imponerade på massorna. Det ögonblicket har äntligen kommit med : Your Name.
När den släpptes 2016 gick Your Name bortom den vanliga nischade anime publiken och erövrade biljettintäkterna i Japan. Den lilla filmen som kunde slå etablerade filmer som One Piece och Godzilla.
Så vad är det som gör den här filmen så populär? Regissör Shinkais noggrant utvecklade handling och uppmärksamhet på detaljer är viktiga ingredienser. Karaktärerna i Your Name rör sig med poetisk smidighet. Filmens huvudsakliga platser, Itomori och Tokyo, är så välutvecklade att de i sig själva blir viktiga karaktärer.
Shinkais karakteristiska användning av distans får överraskande och givande dimensioner den här gången. Den smarta handlingen placerar huvudpersonerna i en situation som är både otroligt avlägsen och otroligt nära, både i avstånd och i tid. Förvirrande? Jag hoppas det. Du måste titta för att se vad vi menar.
Men den kanske viktigaste orsaken till Your Name’s monumentala framgång är dess hjärta. Få tonårsromaner är så engagerande och spännande. Filmen höjer insatserna högre än Shinkais tidigare filmer och ger en känsla av hjärtesorg och utanförskap som skiljer den från andra filmer i genren.
Den här tragiska kärlekshistoriens slående originalitet och dess popularitet hos publiken gör den inte bara till 2016 års storsäljare, utan också till en av de bästa animerade filmerna någonsin.
4. Paprika
Paprika är en kultförklarad, estetisk och tidlös animerad film som vi betraktar som en visuell fest eftersom den aldrig blir gammal. Den var en stor inspirationskälla för Hollywoods storfilm Inception. Men där Inception målar upp en grå och stel drömvärld förvandlar Paprika den till floder av dans, flygning och glädje.
Filmen utspelar sig delvis i denna drömvärld och väver in handling, tema och sociala kommentarer i generösa lager av färgstarka bilder.
Berättelsen följer Dr. Atsuko Chiba och dröm detektiven Paprika, som använder den helt nya DC Mini. En maskin som kan gå in och se människors drömmar för att hjälpa klienterna att övervinna psykologiska problem. Eftersom DC Mini fortfarande befinner sig på försöksstadiet är dess faktiska kapacitet ännu inte helt känd och dess nackdelar har ännu inte upptäckts.
Även om Dr. Chiba och hans företag hoppas kunna utforska potentialen i sin uppfinning, tvingar DC Mini plötsligt att försvinna Paprika att dyka djupt ner i drömvärlden för att hämta den.
Detta är Satoshi Kon’s sista film innan han tyvärr dog. Paprika visar upp regissörens visionära genialitet med fascinerande klippning, chockerande bilder, ett provocerande soundtrack och fantastiskt vackra (och skrämmande) mänskliga karaktärer.
Paprikas resa är en spektakulär och djärv resa genom det mänskliga sinnet och fantasin. Paprika tar filmens värld till sällsynta höjder och överskrider animationen och är ett mästerverk av världskino som skulle höra hemma på ett konstmuseum.
3. Vargbarnen
Vad kan vara svårare än att vara ensamstående mamma till två barn? Hana, huvudpersonen i Vargbarnen, är ensamstående mamma till två vargbarnen.
Efter att hennes man, en vargman, har dött tvingas Hana uppfostra sina barn Yuki och Ame ensam. Saker och ting blir värre när socialarbetarna blir överdrivet oroliga för barnens välfärd och börjar snoka i familjens privatliv.
Istället för att avslöja sina barns hemlighet för världen flyr Hana till ett avlägset hus på landsbygden i hopp om att slippa nyfikna ögon och föra de halvvilda barnen närmare naturen.
Detta är en modern fabel om förväntningar och självutforskande. Den erbjuder värdefulla lärdomar i en tid då globalisering, framsteg i fråga om medborgerliga rättigheter och förväntningar på politisk korrekthet har tvingat många av oss att ifrågasätta våra identiteter (i förhållande till religion, ras, sexualitet och livet i allmänhet).
Allt detta kombineras med varma, organiska färger och själfulla animationer, vilket gör detta till en anmärkningsvärd animerad film, japansk eller inte.
2. Ghost In The Shell
För oss en av de bästa animerade filmerna genom tiderna!
Äntligen är den här. Cybernetiska kroppar har blivit verklighet och 100 % biologiska människor hör till det förflutna. Även om denna teknik öppnar världar av möjligheter har den också sina nackdelar. Som att hacka hjärnan.
Puppet Master är en mystisk varelse som kan hacka sig in i nätverk för att få tillgång till cybernetiska kroppar. Major Kusanagi, en mänsklig cybernetiker, och hans poliskår får i uppdrag att gripa honom. Men konfrontationen med Puppet Master och hans motiv kommer att tvinga Kusanagi (och publiken) att konfrontera känslans och dödlighetens natur.
Ghost In the Shells provocerande teman och nästan konstnärliga design gjorde den till en av de första icke-japanska anime-succéerna. Stilen i denna japanska anime blandar det mekaniska och det biologiska för att skapa ett rått och hemskt bildspråk.
Ett medryckande soundtrack med traditionella sånger, melodier och instrument ger ett melodiskt djup som är sällsynt bland de oinspirerade moderna film musikerna. Alla dessa element bidrar till en unik helhetsatmosfär och hjälper till att skapa en slutsats som gör Ghost in the Shell till en komplett, innovativ och transcendent upplevelse.
1. Tokyo Godfathers
Du kanske blir förvånad över att se denna film om tre hemlösa människor högst upp på en lista med explosiv action, färgsprakande skönhet, gripande romantik och själavårdande dramatik. Men det är just det som gör Godfathers of Tokyo så speciell.
Till skillnad från andra animerade filmer som utnyttjar “Cool Japan”-trenderna tittar Tokyo Godfathers på saker som det japanska samhället gillar att dölja. Från hemlösa till invandrare – Tokyo Godfathers förmänskligar de avhumaniserade och skapar stor empati för de ignorerade och övergivna.
Berättelsen börjar före jul på Tokyos kyliga gator där en tillfällighet familj (bestående av en luffare, en transsexuell och en rymling) hittar en bebis i soporna. Med endast en nyckel till ett skåp på en tågstation som ledtråd bestämmer sig de tre för att leta efter barnets mor, en uppgift som tar dem med på en resa som leder till självreflektion och möjlig förlösning.
Det linjära berättandet i Godfathers of Tokyo gör den till regissören Satoshi Kon’s mest lättillgängliga verk. Den här gången använder han sin oklanderliga filmfotografering och sitt kännetecknande konstnärskap för att ta upp tabubelagda ämnen som inspirerar till acceptans.
Detta gör Godfathers of Tokyo till en unik skatt bland andra, ett verk som trotsar sitt medium och samtidigt erbjuder en otroligt givande upplevelse.
Trots den enkla handlingen är karaktärernas resa så övertygande och komplex att den känns ny även efter flera visningar. Skrivandet är balanserat och ger tillräckligt med tid åt varje huvudperson, sidospår och händelse. Du går aldrig därifrån utan att vara nöjd.
Tokyo Godfathers är en komplett, vackert animerad och omsorgsfullt tempo anpassad film med vacker konst och briljant regi. Det finns så mycket att älska (och se!) i karaktärerna, miljön och berättelsen. Viktigast av allt är att den väljer svåra ämnen snarare än kalla, flashiga ämnen, vilket hjälper oss att få kontakt med de bortglömda och påminner oss om vårt eget mänskliga tillstånd.
De bästa animerade filmerna någonsin?
Det stämmer. De bästa animerade filmerna genom tiderna! Ja, och det är allt (enligt Kanka Japan team)!
Vi har definitivt gjort vår forskning, gjort jämförelser och filmvisningar… Alla våra val har fantastiska animationer, historier och karaktärer. Vi har sett till att varje film på listan har något insiktsfullt eller djupt, för det är det som gör kvalitetsfilm, oavsett medium.
Den här artikeln är kanske det slutgiltiga svaret på frågan “Vilka är de bästa animerade filmerna?”. Men vi vill ändå veta vilka dina favorit animerade filmer är?
Vi kan nämna andra hedersomnämnanden för anime som har påverkat vår barndom som Cobow Bebop, Porco Rosso, Goldorak eller Dragon Ball Z…
Om du är ett riktigt fan av manga eller japansk animation och vill köpa en produkt som är hämtad från en av dina favoritfilmer, bjuder vi in dig till vår butik, där du hittar många produkter som är inspirerade av japansk film folklore…
